Al final del Túnel. Una "ventana indiscreta" con vistas al sótano.

Después de un verano agónicamente seco en la cartelera, por fin algo que nos mueve hasta las altamente refrigeradas salas de cine. Por un lado, Secuestro, y por otro, Al final del Túnel. Hoy el post se lo dedico a esta última producción hispano-argentina. Una película que desarrolla una trama policíaca en forma de thriller asfixiante.

Pero para empezar diré que está protagonizada por uno de mis actores favoritos, Leonardo Sbaraglia, que esta vez se mete en la piel de un atormentado y solitario hombre en silla de ruedas. Y algo de James Stewart tiene el actor en Al final del túnel, con esa otra "ventana indiscreta" que esta vez es su pantalla de ordenador. Sbaraglia es de esos tíos que debe hacerlo todo bien. !Que manejo de la silla de ruedas !

La sinopsis :  Joaquín vive  en una gran y oscura casa tras haber pasado por un drama personal que parece haberlo dejado fuera de la sociedad. Todo dará un vuelco cuando Berta y su hija Betty llaman a su puerta para alquilar una habitación. Pero una noche, mientras trabaja en su sótano, escucha un ruido y descubre que una banda de delincuentes está construyendo un túnel que pasa bajo su casa con la intención de robar un banco cercano.


No conozco al director Rodrigo Grande , sé que ésta es su primera incursión en este género, y he de decir que ha salido ufano de la misión. Sabe  sembrar la duda en el espectador, conduciéndolo a través de la trama  y encajando giros de guión que consiguen sorprender y hacer avanzar la película por derroteros inesperados.

Destaco del reparto a Pablo Echarri ( da miedito) y Federico Luppi, y destaco también la banda sonora original de Lucio Godoy, dando contrapunto a toda la tensión.

Al final del túnel se centra en la historia policial pero no deja de dar puntadas críticas sobre la corrupción, los abusos y la situación en Argentina.

Sobra la escenita de Clara Lago bailando, pero parece que si no hay una tía por medio enseñando cacho,no hay película. En fín.

Recomendable. No es un película para pasar a la historia , pero funciona y entretiene una noche de verano.

Los odiosos ocho : el tercer "wéstern" del Tarantino más Agatha Christie

cartelera de Los odiosos ocho

Con Tarantino es difícil hablar de géneros y de influencias . Es el rey del mix. Podría uno morir en el intento de descubrir guiños cinematográficos, homenajes musicales, influencias visuales, etc, en las películas del director de Kill Bill. 

Pero lo que está claro es que con Los odiosos ocho podríamos estar en el tercer wéstern conceptual del director. Todo y que no es una película del Oeste al viejo estilo, si que hay elementos de wéstern estadounidense, pero también de 'thriller', e incluso guiños a Agatha Christie al estilo de Diez negritos, con un crimen por resolver, una serie de sospechosos, y un único decorado.

Tarantino ha rodado el filme en Ultra Panavision 70 mm, un formato que pocos directores de fotografía manejan. Y evidentemente esto hace que sea un wéstern de cámara, donde el paisaje es un personaje más desde el minuto uno. Sin olvidar el partido que le saca al único escenario interior con una puerta que hay que clavar cada vez que se abre o se cierra, como si hubiera que remarcar el dentro y fuera de la acción.

Es una película violenta y bonita a la vez. Violenta por sus diálogos (marca de la casa Tarantino) y las escenas de interior conforme vamos descubriendo cosas. Bella por como fotografía los exteriores. Sin embargo, para mi, a vista de espectador, pesa en el visionado la primera parte, justo la de los exteriores nevados , y creo que se aligeraría el filme, que tiene casi tres horas de metraje.

Me gustó más Malditos Bastardos y Django desencadenado, por hablar de sus últimos trabajos, pero evidentemente me ha gustado y la he disfrutado, sobretodo por guiños con el espectador como esa carta de Lincoln a modo de McGuffin, esa excusa argumental inventada por el gran Hitchcock.

Al cine: Sufragistas. ¡Y todavía hay quien pasa de ir a votar¡

Para empezar el año, cinematográficamente hablando, he ido a ver Sufragistas. Por llevar la contraria a las huestes de seguidores de Star War ,(que yo iré a ver tranquilamente dentro de un mes) he elegido esta peli que me aseguraba un visionado sin olor a palomitas. 

Tiene gracia que la película se estrene en época electoral , quiero decir en "era electoral", por aquello de que habrá que pasar seguramente de nuevo por las urnas. Y más que gracia, lo que tiene es vigencia reivindicativa. Cuesta creer, que hace tan poco tiempo lo de voto femenino fuera pura quimera, (todavía hoy en otros países). Sufragistas es la historia de todas esas mujeres que lucharon por conseguir el voto. Y lo tuvieron que hacer como supieron, muchas veces incluso en contra de quien tenían más cerca, de quien más se supone que las querían. 

Una de las bazas de la película es que está magníficamente ambientada, con un trabajo de fotografía muy especial para conseguir esos colores grises y apagados que nos trasmiten hasta la humedad y la suciedad de aquel Londres de principios del siglo XX. Y resulta que el responsable de todo esto no es otro que el director de fotografía español, Eduard Grau, el mismo responsable de fotografía de la increíble Buried. Y como en aquella peli, en Sufragistas se nota el trabajo que hay detrás de los actores. 

Casting que encabeza la inmensa Meryl Streep, aunque su participación se ciñe a prácticamente tres escenas. Pero la que destaca es Carey Mulligan, que ya me cautivó en An Education. 

En resumen, Muy recomendable. 

Un día perfecto. Lo nuevo de León de Aranoa.

Soy fiel seguidora de Fernando León de Aranoa desde que me dejó "patidifusa" en la butaca con su ópera prima , Familia. Después siguió dejándome pegada al asiento con Barrio y Los lunes al sol. Y tras Princesas, regresa con su apuesta más ambiciosa e internacional, Un día perfecto.
Una película de guerra sin una explosión y sin una gota de sangre. Podemos decir que Un día perfecto es todo trinchera. Esa quinta o sexta línea del frente, ese segundo plano de "efectos colaterales ", que es donde sufre la población civil. Y sin embargo no hace falta retratar "la batalla" para ver "la guerra". Es la violencia sin violencia.

Un día perfecto transcurre en una zona de guerra con los cascos de las Naciones Unidas tratando de controlar la situación . En concreto narra la peripecia de un grupo de voluntarios en Bosnia justo en el momento en el que las autoridades dan por acabada la guerra. Tratan de sacar un cadáver de un pozo de agua en una zona de conflicto. Alguien lo ha tirado dentro para corromper el agua y dejar sin abastecimiento a las poblaciones cercanas. Pero la tarea más simple, encontrar una cuerda, se convierte aquí en una misión imposible, en la que el verdadero enemigo quizá sea la irracionalidad, la burocracia de despacho y lo absurdo.

Dos genios con Oscar, Benicio del Toro y Tim Robbins, le dieron el sí al director para la película . 

Lo mejor, encontrar un drama agujereado de notas de humor, que es capaz de mantener un equilibrio revelador y sobrio.

Al cine; Lavapiés en plano-secuencia : "Hablar" de Joaquin Oristrell

Hablar de Joaquin Oristrell

Rodar en plano-secuencia significa rodar una escena en continuidad desde que se grita el primer "Acción" hasta el "Corten" en una sola toma (en plano único, sin cortes ) , sin parar para repetir. Más o menos para que se entienda. Pues eso es lo que ha hecho Joaquin Oristrell (¿De que se ríen las mujeres?, Inconscientes) en Hablar. Un ejercicio cinematográfico de los de dejar con la boca abierta.

Se ha rodado en el popular barrio de Lavapiés de Madrid durante una calurosa noche de agosto de 2014. Durante 75 minutos y medio kilómetro de recorrido, veinte personajes en plena crisis económica, política y existencial hablan, discuten, ríen, lloran, amenazan, susurran, gritan, roban, se citan, se enfadan, se abrazan y proponen al espectador una reflexión sobre el inmenso poder de la palabra.

Mientras veía la película no podía dejar de pensar en el esfuerzo de los actores y la presión que significa que no puedes equivocarte y repetir. Uuufff

Famosos son los pocos ejemplos que hay de películas rodadas en un único plano secuencia. Que yo sepa solo me viene a la cabeza La soga de Hitchcock. Aunque también esta Birdman de Iñárritu que está rodada en un falso plano secuencia.

En otras películas este espectacular recurso se utiliza para los arranques. Como por ejemplo los tres minutos y medio de plano secuencia de Sed de mal de Orson Welles. Pero también tenemos planos secuencias más largos en Gravity de Cuarón o Expiación, la película que se basa en la novela de Ian McEwan.

Es tal vez lo más destacable de Hablar, ese experimento de rodar en plano secuencia. Porque el guión peca un poco de buscar buenas intenciones pero no instalarse en la denuncia y la reflexión. Pero el experimento vale la pena. Y el casting muy bueno, alternando actores consagrados con otros desconocidos.

Precisamente los actores vienen de la Escuela de Interpretación de Cristina Rota (madre de los Botto) , y es ella la que escribe a 4 manos con Oristrell el guión.  Y por cierto, el final de la peli viene a confirmar que el filme viene a ser como un ejercicio de fin de curso de esta escuela.

Lo único que se salva de la cartelera entre Dinosaurios y Tomorrowsland.

Domingo de cine : Maps to the stars. La puerta de atrás de Hollywood.

Parece que está de moda sacarle los colores al way of live de Hollywood. Justo antes de los Oscar se estrenaba aquí la inclasificable y excepcional Birdman, y ahora nos llega esta Maps to the starts, otra fábula sobre la decadencia y la obsesión del micro-cosmos hollywodiense. Algo así como una comedia en clave negra, o un drama disparatado sobre la obsesión por la fama.

Está dirigida por el canadiense David Cronenberg (La mosca y Promesas del Este) , y en el reparto nos encontramos a una tremenda, genial y oxigenada Julianne Moore (en cartelera todavía con Siempre Alice) y a   Mía Wasikowska (Alicia en el país de las maravillas)en su papel de cándida disfuncional. 

Sinopsis : Stafford Weiss es terapeuta y escribe libros de autoayuda. Tiene una mujer sobreprotectora, un hijo, antigua estrella de la TV en rehabilitación, y una hija que acaba de salir del psiquiátrico. La principal cliente de Stafford es una famosa actriz, a punto de interpretar el papel que hizo su madre en los años 60.

Maps to the starts es el retrato, fiel o inventado, de la podredumbre del corazón de la industria del celuloide, que pone los pelos de punta. 

Si queréis ver más sobre Birdman, os dejo el enlace del post :http://sargantanaxpress.blogspot.com.es/search?q=Birdman

Un vino español en las pantallas del Festival de Berlín

Como las estrellas que se pasean por la alfombra roja de la Berlinale, así se ha paseado el vino de Jerez estos días por la capital alemana. Participa en la sección Culinary Cinema de este festival, ya que es el protagonista del documental Jerez y El Misterio del Palo Cortado. Es la primera vez que, en esta cita cinematográfica, se selecciona un documental en torno a una denominación de origen.

Jerez y El Misterio del Palo Cortado es un documental dirigido por José Luis López Linares, y producido por Antonio Saura. Una pareja bien avenida en esto de maridar cine con gastronomía: ya sorprendieron al público hace unos años con El Pollo, El Pez y El Cangrejo Real, que contaba las peripecias de un cocinero español dispuesto a hacerse con el prestigioso premio Bocuse D’Or.

El documental mantiene el suspense y en su trama se intenta desvelar los secretos que hacen de este vino un caldo único en el mundo. Su metraje se reparte entre las bodegas de Jerez y los profesionales que trabajan en ellas y en la viña. Un ambiente especial que lo convierten, y ya van cinco siglos después de su primera elaboración, en uno de los más particulares y raros del mundo y que hace del palo cortado un gran desconocido, incluso para los más entendidos.

La definición canónica del palo cortado es la de un vino que conjuga la nariz fina y elegante del amontillado con la estructura en boca del oloroso. Y, como dice Josep Roca en la película, “es como una cerilla al rascar el fósforo: primero, la raspadura; seguido del estallido de la llama”. Así, se trata de un vino que entra fuerte y luego deja un regusto delicioso.

Michael Keaton en Birdman. La Norma Desmond de Iñárritu.

Dioooos, hay tantas cosas en esta película que no se por donde empezar. Bueno,empezaré diciendo que tenéis que ir a verla. 

Seguramente estamos delate de una de las mejores películas del 2014. Y recién nominada a 9 premios Oscar. Es la quinta película del mexicano Alejandro González Iñárritu (Babel) y creo que la mejor después de Amores Perros.

Pero hay muchas novedades en este nuevo trabajo de Iñárritu. Empezando por un cambio radical en el ritmo del montaje. Se despide de sus habituales saltos y elipsis temporales, y nos miente con un plano secuencia único. Todo magníficamente atado con una fotografía y una propuesta artística digna del mejor Broadway neoyorkino. Y para rematar el regalo, una banda sonora con música de batería original que hace resaltar por sorpresa muchas de las escenas in crescendo.

 
Birdman es una comedia negra, pero también
viene a ser una versión siglo XXI de El crepúsculo de los dioses, en la era de las redes sociales. Aquí nuestra Norma Desmond sería Riggan Thomson (Michael Keaton) , un acabado actor en busca de resucitar su talento artístico, esta vez dirigiendo e interpretando una pieza teatral en el Broadway neoyorkino.

Después de muchos años encarnando a un superhéroe, Birdman, (casualidad que Michael Keaton fue dos veces Batman) ha decidido montar en el histórico Teatro St. James el relato de Raymond Carver, De qué hablamos cuando hablamos de amor. En los días que preceden a la noche del estreno se enzarza con su ego y trata de recuperar a su familia, su carrera y a sí mismo.

Casting: lo mejor de Hollywood encima de las tablas de Broodway

Un diez en el trabajo de reparto. Puede ser uno de los mejores trabajos de Michael Keaton, brillando en un personaje complejo, bailando entre la contención y el histrionismo, para mostrar mil matices donde ver la lucidez, la locura, el ego, la fama, o la verdadera identidad.

Le acompañan Naomi Watts (Lo imposible) y Edward Norton (American History X) que hace un papelón de un actor que es una mentira en la vida real y todo poder encima del escenario. Pero de la que más se habla es sin duda la chica de moda en Hollywood: Emma Stone, que todavía está en cartelera con la película de Woody Allen Magic in the Moonlight . Tiene esos enormes ojos que parecen de animación japonesa, que captan todas las emociones en un pestañeo.

En fin, una película donde hay reflexión y parodia a partes iguales. 3,70 euros muy bien aprovechados.

Al cine : Magia a la luz de la luna, de Woody Allen

Vuelve Woody Allen a la gran pantalla y yo, fiel seguidora del maestro, no dejo de acudir a su cita. Esta vez con Magia a la luz de la luna nos transporta al sur de Francia en los años 20. Allí un ilusionista incrédulo y pragmático (Colin Firth) , que además trabaja ocultando su identidad disfrazado de chino, intentará desenmascarar a una medium, la joven vidente Sophie Baker ( Emma Stone). ¿Será ella una falsa medium o conseguirá que el mago se convierta a la causa espiritista?

No es la primera vez que el director neoyorquino introduce elementos del mundo del ilusionismo y de los espiritistas. Magos, hipnotizadores y personajes similares han parecido en otras ocasiones entre sus personajes. Incluso es habitual que juege en ese mundo de la fantasia, dónde la realidad da paso a otras "dimensiones" como en La rosa púrpura del Cairo, o Midnight in Paris.

La película respira Woody Allen por los cuatro costados, pero no es de las que dejan huella. Sin ir más atrás en su filmografía, su anterior trabajo, Blue Jasmine, está mejor conseguida. Pero no se le puede pedir genialidad, cuando el maestro rueda casi peli por año. 

Recomendada para los amantes y seguidores de las  comedias marca de la casa.

Al cine: Jimmy 's Hall: Irlanda, 1932. Pues mucho no hemos avanzado.

Después de una introducción con imágenes de archivo en blanco y negro de la crisis norteamericana del 29, la pantalla se vuelve verde. El color de Irlanda pinta el resto de esta película inspirada en hechos reales. Ken Loach nos trae en Jimmy's Hall a la figura de un activista comunista que se convirtió en el único deportado político de la República Irlandesa de la historia, Jimmy Granton.

El director (con su guionista habitual Paul Laverty) regresa a las pantallas con este nuevo trabajo muy en la línea de su filmografía. De nuevo cine social y político, testimonio de una época, como ya hizo en anteriores trabajos como Tierra y libertad (1995), El Viento que agita la cebada (2006), o La Cuadrilla (2001). Aunque para mi opinión, esta vez no llega a la altura de las anteriores.

¿Qué cuenta Jimmy's Hall?

La película arranca en 1932, fecha en la que Granton decide volver de su exilio en Estados Unidos a su pequeño pueblo irlandés, para retomar las riendas de la granja familiar. Irlanda acaba de padecer la guerra de la independencia. Hay hambre, poco trabajo y menos libertades. Y el regreso de Granton provoca reacciones diversas entre sus ciudadanos. A un lado la Iglesia y los latifundistas, al otro, los jóvenes que han crecido oyendo a sus padres hablar de los bailes y las clases en el local de Jimmy, y quieren que él vuelva a abrir ese espacio de libertad, cultura y diversión.

Aunque la película es muy coral, hay que destacar el gran trabajo del actor que sostiene el filme. La interpretación de Barry Ward como Jimmy Granton, quien se hace con el  carisma de este líder revolucionario, mantiene prácticamente todo el peso de la película.

Me ha encantado la banda sonora original, es de Georges Fenton que ha sido nominado al Oscar en cinco ocasiones. Y lo que no me ha gustado es que es un poco maniquea, los malos son muy malos y los buenos son muy buenos.

Para seguidores de Ken Loach.

Magical girl. La turbia y bizarra propuesta de Carlos Vermut llega a los cines.

Turbia y bizarra. Estos dos adjetivos son los que utilizaría para clasificar la explosiva y emocional película del director madrileño Carlos Vermut. Magical Girl es de esas películas inclasificables. No responde a un genero concreto, aunque pellizque desde la crítica social al misterio, pasando por el humor sórdido, el surrealismo y los guiños al cómic.

Lo que es seguro es que esta segunda película de Carlos Vermut trae aire nuevo a las pantallas, trae ese desafío a lo moralmente correcto, justo cuando fuera de la pantalla, en la calle, lo que se lleva es lo moralmente incorrecto. 

No es que sea difícil explicar de que va la película, es que creo que a esta película se ha de ir sin saber mucho, pero de forma resumida podemos decir que Magical Girl es una serie de dibujos de animación japoneses con la que Alicia, una niña de 12 años con leucemia, está obsesionada. Como última voluntad, le pide a su padre, profesor en paro, el carísimo vestido del personaje y para conseguirlo se verá envuelto en una serie de turbios y oscuros chantajes.

Bárbara Lennie y Luis Bermejo

Otra de las bazas de la película es el reparto. Un traingulo magistral de actores criados en las tablas del teatro. Luis Bermejo ligado a la compañía de teatro Animalario, Barbara Lennie ( todavía en los cines como la poli de El niño) y José Sacristán ( la "voz" del cine español apuesta en los últimos años por el cine de las nuevas generaciones y de él espero con ganas el estreno de lo último de Isaki Lacuesta) . Estos tres misteriosos personajes evolucionan entre los racional y lo emocional, llegando al límite para proteger lo que es suyo, y dejándo en el aire alguna incógnita (¿que pasó entre Bárbara y Damián?)

Destacar a la debutante Lucía Pollán, de una naturalidad y una mirada inquietantes.

También me ha gustado la narrativa audiovisual muy personal y sugerente, con una composición de planos y un uso de la música que me recuerda a las BSO de Almodóvar. Sólo pongo pegas al bajón del ritmo en la segunda mitad de la cinta, aunque se recupera más tarde. 

Magical Girl fue en el pasado festival de San Sebastián, Concha de Oro a la mejor película y plata al mejor director.

Al cine : Perdida de David Fincher.

Dice The Guardian que el mundo se divide entre los que han visto Perdida y los que planean verla. Se han pasado varios pueblos en la afirmación, pero a veces el marketing y los críticos son así.

Aunque si que es verdad que estamos delante de un thriller diferente, una película intrigante donde tenemos una desaparición y la búsqueda de un cadáver. Todo apunta a un crimen pero en realidad lo que esconde es una dura crítica al matrimonio. De hecho la película empieza y acaba con dos preguntas que se hace el protagonista. ¿que nos hemos hecho el uno al otro ? y ¿en que estás pensando?. Claves de este suspense.

Y el responsable no es otro que David Fincher ( El curioso caso de Benjamin Button, La red social) que basa la peli en una novela de Gillian Flynn, también autora de su guión. Y ahora es cuando me da pena no haber leído el libro antes.

También en Perdida nos encontramos una despiadada crítica a los medios de comunicación, especialmente a los que se nutren de los sucesos y miserias ajenas.

Me ha gustado la dosificación del suspense , siempre "dando pistas para despistar", y la estupenda banda sonora que es un total acierto y cumple su función subrayando el intríngulis. En cuanto al reparto, el trabajo de Ben Affleck (Argo) para mi no es de los mejores, y mira que a mi este chico me gusta. Si que está sobresaliente la británica Rosamund Pike, ex chica Bond, que está estupenda y da miedito en algunos momentos. También destaca Neil Patrick Harris (de la serie de TV Como conocí a vuestra madre) que este año presentará la gala de los Oscar.

Tal vez un punto a favor de Perdida es el guión; que sea la escritora de la novela la misma responsable de escribir el guión de la peli es una garantía, y sí además está bajo las ordenes de un director como Fincher que ha firmado suspenses como Seven o Alien 3 pues que os voy a contar.

¿pero que nos cuenta Perdida?

En un caluroso día de verano, Amy y Nick se disponen a celebrar su quinto aniversario de bodas en North Carthage, a orillas del río Mississippi. Pero Amy desaparece esa misma mañana sin dejar rastro. A medida que la investigación policial avanza, las sospechas recaen sobre Nick que se muestra extrañamente evasivo y frío, a pesar de que él insiste en su inocencia.  

En resumen, muy recomendable para pasar una tarde de intriga, y entrar o no en el juego peligroso que nos ofrece esta pareja "modélica". Ya sabéis aquello de la delgada línea que separa el amor del odio.

Al cine: La gran seducción. Jugando al criket en la cola del paro.

Me ha gustado esta mezcla de Doctor en Alaska, Los lunes al sol y el Show de Truman. Aunque el argumento no sea un ejemplo de originalidad, he de decir que es todo un disfrute de película, de esas píldoras de honestidad que nos deja algunas veces la gran pantalla. La gran seducción es simpática y de humor blanco (los partidos y la equipación de criket, los personajes absurdos, esas enfermedades imaginarias,  etc).   Está realizada con gusto, es de resolución fácil de imaginar, y  te asegura una sonrisa en la cara al final.

La gran seducción es una producción dirigida por Don McKellar que viene a ser el remake canadiense en inglés de una reciente película en francés del propio cine canadiense. ¿hay alguien ahí?.

Sinopsis

En La gran seducción los habitantes de un pequeño pueblo pesquero viven del subsidio y sólo ven como única solución, para la supervivencia y el progreso, la construcción de una gran fábrica para contener residuos tóxicos. Para ello necesitan dos requisitos: satisfacer el soborno político de turno para la adjudicación, y engatusar a un joven y desastroso médico con el fin de que encuentre atractivo el lugar, y se convierta en el medico residente que exige la multinacional para construir allí la fábrica.

La película toca todos esos puntos-conflicto a los que se saca punta en clave de comedia: la ecología, la corrupción de bancos y grandes firmas, la nostalgia de la vida de pueblo como comunidad, la dignidad del trabajo, la fuerza de la verdad y la mentira justificada.
El reparto lo encabezan Brendan Gleeson (Al filo del mañana) que da vida al parado que lleva la voz cantante en el plan para convencer al doctor, y Taylor Kitsch (Salvajes) como médico. Muy buenos los dos y todo el reparto de secundarios.

Observaciones : Dejarse llevar por el "buenrollismo" de la cinta

La isla mínima. Un thriller que brilla entre el fango de las marismas del Guadalquivir

He ido a ver La isla mínima , no podía ser de otra manera, dada la promoción, y también las ganas mías, después de ver un trailer (o teaser que dicen ahora) que te deja más enganchado que Espinete en una cama de velcro.

Y me ha gustado mucho, es más, le ha gustado hasta a Carlos Boyero (el implacable critico de El País) que dice de la película : "Te hace pensar a lo largo de la tenebrosa intriga, te desasosiega, reinan los matices, hace turbias y creíbles las situaciones y los personajes, hay doble fondo hasta en lo que parece transparente, ni los diálogos ni el gesto más leve tienen desperdicio, la cámara posee estilo y un lenguaje poderoso, deja cierto poso". Pedazo piropo le ha echado a Alberto Rodriguez.

Y la verdad es que este director sevillano (7 vírgenes, After) ha logrado filmar un thriller policíaco con trazos gruesos de cine social (caciquismo, desigualdades sociales, estraperlo, la lucha por los derechos laborales, etc), y le ha salido una película redonda. De esas de guión impecable con pistas dosificadas,  una música de las que subrayan esa atmósfera cargada que se respira en cada plano, y unos planos cenitales que son puro arte, y que convierten a las marismas andaluzas en otro protagonista más de esta película. Todo esto y mucho más, porque también es un retrato socio-político de la época de la Transición (ver la tartera Magefesa que tenia mi madre, precursora del Tuperwarwe, me ha encantado).

Mención aparte y subrayada, merece el reparto de infarto, repartido entre testigos y sospechosos. Un fabuloso Javier Gutierrez (Dos francos, 40 pesetas), acompañado como pareja de poli por un genial Raúl Arévalo (Los amantes pasajeros, Primos, Azuloscurocasinegro) y un elenco de secundarios excepcional, desde Antonio de la Torre, a la revelacion, la actriz gallega Nerea Barros, y al reclamo de Jesús Castro , la nueva estrella del star system español, protagonista en El niño. 

Sinopsis

1980. En un pequeño pueblo de las marismas del Guadalquivir, olvidado y detenido en el tiempo, dos adolescentes son encontradas muertas. Desde Madrid envían a dos detectives de homicidios, Pedro y Juan, de perfiles y métodos muy diferentes que, por distintos motivos, no atraviesan su mejor momento en el cuerpo policial. Nada es lo que parece en una comunidad aislada, opaca y plegada sobre sí misma. Las pesquisas de los detectives parecen no llevar a ningún lado. En este difícil proceso, Juan y Pedro deberán enfrentarse a sus propios miedos, a su pasado y a su futuro. Su relación se irá estrechando y sus métodos se harán parecidos. Lo único importante es dar con el asesino.


Creo que el cine que se hace por estos pagos está de enhorabuena. Con El niño y La isla mínima hemos visto una producción y una factura que no envidia en nada a los thillers extranjeros. 

Al cine : El Pasado . Un retrato familiar cargado de culpas y secretos.

Hoy es miércoles, toca cine

Ha ido tan bien la promoción de los miércoles al cine que las salas han decidido alargar la fecha, y todavía tendremos por delante, al menos hasta el verano, los miércoles a 3,70 euros la película. Así que toca hoy y me voy a ver El Pasado, una película iraní, que sólo por eso ya tirará a más de uno hacia atrás. Bueno, allá ellos y sus prejuicios. Yo he entrado con la garantía del director, el iraní Asghar, que ya me dejo un buenísimo sabor de boca con su anterior trabajo, Nadir y Simin, una separación, ganadora de un Oscar en 2012.

Asghar Farhadi, un buen narrador

Esta vez la producción es una colaboración entre Francia y Italia. En esta ocasión Asghar Farhadi firma la dirección y el guión de un profundo y conmovedor retrato sobre un drama familiar, mediante una atmósfera absorbente cargada de confusiones éticas, secretos inconfesables y conversaciones aplazadas. Un cine agridulce como un trozo de día ordinario, con la belleza y el dolor del "vivir para contarlo".

Farhadi es un excelente narrador, no se entendería si no que sus 130 minutos de metraje pasen sin mirar el reloj. La película fluye desde el principio. Poco a poco va desgranando la trama para que al final sea el espectador el que recoloque el rompecabezas.

Sinopsis

Después de cuatro años de separación, Ahmad viaja de Teherán a París para iniciar el proceso de divorcio a petición de Marie, su esposa francesa, interpretada por Bérénice Bejo (la actriz de The artist, que se ha llevado el premio a la mejor interpretación en el último festival de Cannes por este trabajo).  Durante su breve estancia, descubre la conflictiva relación entre Marie y su hija Lucie. Ahmad se esfuerza en restablecer el vínculo entre madre e hija, pero acaba desvelando un secreto del pasado.

Este es el enlace del post que escribí de su anterior película por si os interesa.:http://sargantanaxpress.blogspot.com.es/2011/10/nader-y-simin-una-separacion.html

Al cine : Kamikaze. El humor negro, mejor dejárselo a los ingleses.

Si lees las críticas antes de ir a ver Kamikaze estás perdido. O la alaban, o la odian. Y la verdad es que no les falta razón, en cierta medida, ni a unos ni a otros.

Por un lado, la película empieza con una larga secuencia, hasta el título de la película, donde todo pinta perfecto. Un arranque que promete : buena fotografía, buenos actores, y una introducción a la historia que hace crecer las expectativas. Pero a partir de aquí hay un desequilibrio en la linea de la pelí que no me ha gustado un pelo. Es una comedia, y de hecho hay bromas que hacen gracia, y aunque el tema es el que es, has entrado al cine sabiendo que es una comedia. Pero no me acaba de convencer el tono de humor negro (la explicación del suicidio), que por otro lado creo que los españoles, al contrario que los ingleses, no sabemos exprimir. Y el final no me ha gustado. Pero bueno es la ópera prima del director, Alex Pina, y vamos a darle un voto de confianza.

Sinopsis: Slatan, un hombre oriundo del Karadjistan, se enfrenta a una situación extrema: hacer estallar un avión de pasajeros que va de Moscú a Madrid. Pero una tormenta de nieve retrasa el vuelo, y los pasajeros son alojados en un hotel de montaña hasta que pase el temporal. Ese retraso obliga al terrorista a convivir, durante tres días, con sus futuras víctimas, unas personas con una visión positiva y optimista de la vida.

Como dice el personaje de Hector Alterio al final de la película:

Siempre hay alguien que lo pasa peor que tú. Y solo hay dos opciones: o joderte por dentro, o bailar al ritmo de la vida.

Pero hay que decir a su favor que tiene muy buen reparto, y que ya sólo por ver el cuerpazo de Álex García (Sin tetas no hay paraiso y Tierra de lobos) vale la pena. Y borda el acento caucasico, nadie diria que este bombón en realidad es canario. Su papel casa a la perfección con uno de los personajes que le dan réplica, el argentino Eduardo Blanco.

El cine desde hoy y hasta el miércoles está a 2,90 euros en el 90 % de las salas (www.fiestadelcine.com) , así que aprovechad. Yo iba a ver El Gran Hotel Budapest y ya me la han quitado de la cartelera. En fin.

Miércoles, al cine: ocho apellidos vascos

Me daba rabia ir a ver esta película por el bombardeo publicitario que tiene de más. Siempre sospecho que si tanto bombo necesitan es porque son malas. Pero he de reconocer que me gusta el director, Emilio Martinez Lázaro (El otro lado de la cama, Los peores años de nuestra vida) y hacia muchos años, desde Las trece rosas (2007) que no estrenaba nada. Como creo que su fuerte es la comedia, allá que me he ido al cine.

Ocho apellidos vascos es la versión libre española de la taquillera Bienvenidos al Norte (Francia), y Bienvenidos al sur (Italia). Supongo que aprovechando los buenos resultados de las películas de nuestros países vecinos, Martinez Lazaro se ha lanzado a dirigir esta comedia sobre los tópicos y estereotipos de los habitantes de una región. En este caso los de Euskadi y los de Andalucia. Y la verdad, es que sin llegar a tener la frescura y la complicidad de Bienvenidos al Norte, he de decir que me he reído unas cuantas veces con la caricatura y la exageración de costumbres que nos presenta Ocho apellidos vascos. Es sano reírse de uno mismo o del vecino, siempre que no se caiga en una parodia de humor lamentable. Aquí te ríes en varias ocasiones, y al menos sales del cine y has pasado un buen rato.

El responsable del guión es Borja Cobeaga (Pagafantas, No controles) y de la serie de televisión Muchachada Nui. Cobeaga no ha querido arriesgarse y lidia con una historia bastante blanca, una película que seguramente sea la primera comedia española donde sale ETA. Tal vez sea ya una seña más de normalidad que confirma el fin del conflicto vasco.

El monologuista Dani Rovira debuta en el cine y convence en un papel donde borda el acento del País Vasco. Pero el que está especialmente estupendo es Karra Elejalde. La película ya se ha convertido en la comedia mas taquillera desde Torrente 4.

Una de cine: Lo nuevo de Jason Reitman , Una vida en tres días

En un momento de la película la protagonista le explica a su hijo ( en esa conversación siempre pendiente sobre el despertar sexual)  que en esas lecciones de "la otra educación", sólo explican el fenómeno  biológico, pero nunca explican que es lo que se siente. Pues precisamente de eso va Una vida en tres días. 

Kate Winslet y Josh Broslin

Y podía ser un producto típico de telefilm de tarde de sábado, pero Jason Reitman (Up in the air, Juno) sabe jugar con las reglas para ganarse la complicidad del espectador, y hace funcionar la historia, aunque un poco a la desesperada. 

La historia nos plantea una relación a tres bandas: la madre abandonada que llena un vacío emocional con la llegada de un desconocido, el hijo que encuentra un padre que le enseñe a jugar al béisbol, y el fugitivo que encuentra una familia y un futuro.  Los tres juegan con el deseo, en distintos niveles. Y hay que decir que uno de los aciertos es la buena química entre Kate Winslet  (Titanic, The Reader) y Josh Brolin (Milk, En el valle de Elah) , una madre depresiva y un asesino fugitivo. 

La torridez del verano de 1987 en un pueblo de New Hampshire es un protagonista más de este thriller dramático/romántico. Y ese bochorno del ambiente se traslada a la única secuencia "hot" de la pelí, la de la tarta de melocotón. (porque sexo en la película, de haberlo, haylo, pero no se ve). 

Y ahora viene el "pero"del film . La película va narrando en flashbacks lo que pasó después del nacimiento de su hijo y que acabó con el fin de su matrimonio. Bien, nos van dando pinceladas a lo largo de la película sobre ese pasado. Pinceladas que no acaban de aclarar realmente lo que pasó. Como tampoco nos cuentan nada del pasado del protagonista, ni siquiera a que tipo de asesino le están dando cobijo. 

Y para acabar , otra vez, las malditas traducciones de los títulos. No es que sea una traducción libre, es que el que lo ha hecho ni se ha mirado la pelicula. Si no sabría que no son tres días, sino cinco.

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