El hombre de las mil caras : el espía que saltó del Telediario a la gran pantalla

Uno lee la sinopsis de esta película y le cuesta pensar que no sea ficción pura y dura. Porque creer que un ex agente secreto del gobierno español, Francisco Paesa, esté vivito y coleando, después de simular su muerte, y que después de 20 años no se hayan recuperado esos 1.500 millones de pesetas, es de traca.

Bueno os refresco la memoria y me sirve de sinopsis: Francisco Paesa fue responsable de la operación contra ETA más importante de la historia, luego le pilló un caso de extorsión en plena crisis de los GAL y huye del país. Cuando regresa al cabo de los años está arruinado. Entonces, recibe la visita de Luis Roldán , ex Director General de la Guardia Civil, quien le ofrece un millón de dólares por ayudarles a salvar 1.500 millones de pesetas sustraídos de los fondos reservados.

Pues con todo este material increíble, Alberto Rodríguez  (La isla mínima) ha dirigido una magnífica película, El hombre de las mil caras, que a su vez esta basada en un libro de Manuel Cerdán.

Una vez más el director sevillano ha hecho un thriller de 5 estrellas. Acierta en el montaje, a veces frenético, con mucho cambio del tipo planos, incluido el cenital (marca de la casa) y en la voz en off (el personaje de Coronado) que logra que el espectador no se pierda en algunos momentos.

Y en cuanto al reparto, que decir del papel de Eduard Fernández (En la ciudad, Pa negre, El método) , él es Francisco Paesa.  El espía de tranquilidad ambiciosa, un personaje real con una vida de ficción. Obviamente, Carlos Santos le acompaña a la perfección en su papel de Luis Roldán.

Creo que El hombre de las mil caras es una recreación cinéfila de una época convulsa y corrupta de España. Vamos, que no hemos cambiado en estos últimos 20 años, sea el gobierno de izquierdas o de derechas. Eso si, los 1.500 millones de pesetas salieron de las arcas del Estado y todavía nadie a dado explicaciones, y a fecha de hoy continúan en paradero desconocido.

Al final del Túnel. Una "ventana indiscreta" con vistas al sótano.

Después de un verano agónicamente seco en la cartelera, por fin algo que nos mueve hasta las altamente refrigeradas salas de cine. Por un lado, Secuestro, y por otro, Al final del Túnel. Hoy el post se lo dedico a esta última producción hispano-argentina. Una película que desarrolla una trama policíaca en forma de thriller asfixiante.

Pero para empezar diré que está protagonizada por uno de mis actores favoritos, Leonardo Sbaraglia, que esta vez se mete en la piel de un atormentado y solitario hombre en silla de ruedas. Y algo de James Stewart tiene el actor en Al final del túnel, con esa otra "ventana indiscreta" que esta vez es su pantalla de ordenador. Sbaraglia es de esos tíos que debe hacerlo todo bien. !Que manejo de la silla de ruedas !

La sinopsis :  Joaquín vive  en una gran y oscura casa tras haber pasado por un drama personal que parece haberlo dejado fuera de la sociedad. Todo dará un vuelco cuando Berta y su hija Betty llaman a su puerta para alquilar una habitación. Pero una noche, mientras trabaja en su sótano, escucha un ruido y descubre que una banda de delincuentes está construyendo un túnel que pasa bajo su casa con la intención de robar un banco cercano.


No conozco al director Rodrigo Grande , sé que ésta es su primera incursión en este género, y he de decir que ha salido ufano de la misión. Sabe  sembrar la duda en el espectador, conduciéndolo a través de la trama  y encajando giros de guión que consiguen sorprender y hacer avanzar la película por derroteros inesperados.

Destaco del reparto a Pablo Echarri ( da miedito) y Federico Luppi, y destaco también la banda sonora original de Lucio Godoy, dando contrapunto a toda la tensión.

Al final del túnel se centra en la historia policial pero no deja de dar puntadas críticas sobre la corrupción, los abusos y la situación en Argentina.

Sobra la escenita de Clara Lago bailando, pero parece que si no hay una tía por medio enseñando cacho,no hay película. En fín.

Recomendable. No es un película para pasar a la historia , pero funciona y entretiene una noche de verano.

La última de Almodóvar, un guión de Nobel : Julieta

las últimas chicas Almodóvar

Si tengo tres citas ineludibles con el cine, éstas son Woody Allen, Pedro Almodovar y Tarantino. Y no es que sean mis directores favoritos, pero necesito seguir su filmografía como quien peregrina a La Meca a cumplir con sus preceptos religiosos. 

Así que llega Julieta y voy a verla,  muy a pesar de las voces agoreras que claman al cielo con la bajada de taquilla de la última del director manchego. Sin embargo es un drama almodovariano de manual, y una película con un fantástico guión,adaptado de tres historias de su escritora favorita, la Nobel, Alice Munro.A lo que hay que añadir todo eso que hace de las películas de Pedro, todo un acontecimiento, desde los títulos de crédito a los repartos. 

Cartelera de Julieta

Sólo el principio de la película ya es marca de la casa, el color es fundamental para el manchego y abre la película en un rojo rabioso, en un plano corto de algo que no identificamos bien hasta que se abre el plano. Ya está preparando el terreno y avisando de lo que tiene reservado.

Julieta es el título de esta última película que se iba a llamar Silencio. Me gusta más la rotundidad de este nombre para esta tragedia dónde la pérdida se vive en un intenso drama, en el que una madre, Julieta, es abandonada por su hija. Una desgarradora historia sobre la maternidad (tema recurrente en el director), pero ésta vez sin folletín, sin extremos,sin personajes turbadores o tragicómicos ( ni siquiera el de Rossy de Palma). Y por esta razón también es una película distinta a todo lo anterior en su filmografía, por muy almodovariana que siga siendo. Y para ello sigue confiando en su equipo de siempre: su hermano (con cameo evidentemente), su productora de toda la vida, Salcedo en el montaje y Alberto Iglesias en la música. Sólo ha innovado en el elenco de chicas Almodóvar,con nuevas incorporaciones comoEmma Suárez y Adriana Ugarte. 

Muy recomendable. Para seguidores del director, o no. 

AL CINE: Mustang: Las adolescentes turcas también saben de fútbol.

Me llamó la atención, el título de la película: Mustang. Los mustang son los caballos salvajes de las estepas americanas. Y esa rebeldía a vivir bajo las directrices de una sociedad impuesta y caduca es lo que convierte a las protagonistas de esta película en auténticos mustang.

Mustang es una brillante historia protagonizada por cinco chicas en plena adolescencia y primera juventud. No he visto la película de Sofia Coppola, Las vírgenes suicidas, pero si que he leído el libro de Jeffrey Eugenides y Mustang me ha recordado ese encierro de unas hermanas por su propia familia, que quiere que sus niñas cumplan lo que la sociedad espera de ellas.

En la trama encontramos la lucha constante de las dos partes. Las edades de las chicas, su curiosidad, su libertad, sus ganas de conocer, sus esperanzas. En el otro lado de la balanza, su destino, la sociedad en la que viven, los convencionalismos. 

Y poco a poco el filme irá despojándose de la inocencia y la calidez de la primera parte, para convertirse en una especie de thriller lleno de rabia y tensión, en el que las dos protagonistas más pequeñas harán lo imposible por escapar de sus destinos, una vez ya han comprobado la suerte de sus hermanas mayores. 

Lejos de dramas, esta cinta es una mirada directa , un grito de reivindicación contra la sociedad patriarcal turca, y también un homenaje al amor fraternal y los sueños compartidos.

Mustang es la ópera prima de la realizadora turca Deniz Gamze Ergüven, aunque sea una producción francesa. Estuvo nominada al Goya por Mejor Película Europea y a los Globos de Oro y los Oscar como Mejor Película Extranjera.

¿Qué ver de estos Oscar? La habitación

En la resaca de los Oscar, y con la mayoría de películas todavía en cartel, hay que decidirse. Por las que llevo vistas, de las más premiadas, (Spotlight, Carol, La joven danesa y La Habitación) me quedo sin duda alguna con esta última. 

Fui a ver la película sin querer saber que encerraba esa habitación. Su título original Room guarda mucho más significado que la traducción que incluye el artículo personal. Nada más ver la película os lo explicareis.

Sin saber nada pues del filme, me recordó evidentemente al caso de Elisabeth Fritzl, la chica austriaca secuestrada en el sótano de su casa durante 24 años por su padre Josef Fritzl . Y tanto que me lo recordó, resulta que la película está basada en una obra de Emma Donoghue inspirada en este caso ocurrido en  el 2008, que ahora ha adaptado para el guión de la película. 

Esta historia en manos de una televisión hubiera sido carne de Estreno TV, es decir, un dramón. Sin embargo esta producción canadiense-irlandesa, dirigida por Lenny Abrahamson, es una película bastante "luminosa" a pesar del tema, tal vez porque sólo se centra en el proceso de aprendizaje del hijo. De hecho el filme está dividido en dos partes, y las dos tienen a ese hijo como punto de referencia. La primera parte, dónde la madre recrea todo un mundo para él, dentro de ese minúsculo espacio, y la segunda, donde él sale al exterior,al otro mundo que solo conoce por la tele. 

Impresionante el niño Jacob Tremblay, que al principio de la cinta te descoloca con su imagen andrógina, y poco a poco te va conduciendo por su especial mundo hasta despedirse de él. Impresionante la actriz,  Brie Larson, de hecho se ha llevado el Oscar;  ofrece un recital interpretativo sobrecogedor,  con un personaje que se mueve entre la protección de la inocencia de su hijo  y la fortaleza desgarrada de un Sansón que hará lo indecible por sacarlo de allí.

Interesante los planos cenitales para mostrar el cubículo desde la claraboya, y ver "ese mundo interior", y los planos también cenitales que muestran lo que está pasando dentro de la pick-up. Conmovedora y sorprendente.Y para nada lacrimógena. 

Los odiosos ocho : el tercer "wéstern" del Tarantino más Agatha Christie

cartelera de Los odiosos ocho

Con Tarantino es difícil hablar de géneros y de influencias . Es el rey del mix. Podría uno morir en el intento de descubrir guiños cinematográficos, homenajes musicales, influencias visuales, etc, en las películas del director de Kill Bill. 

Pero lo que está claro es que con Los odiosos ocho podríamos estar en el tercer wéstern conceptual del director. Todo y que no es una película del Oeste al viejo estilo, si que hay elementos de wéstern estadounidense, pero también de 'thriller', e incluso guiños a Agatha Christie al estilo de Diez negritos, con un crimen por resolver, una serie de sospechosos, y un único decorado.

Tarantino ha rodado el filme en Ultra Panavision 70 mm, un formato que pocos directores de fotografía manejan. Y evidentemente esto hace que sea un wéstern de cámara, donde el paisaje es un personaje más desde el minuto uno. Sin olvidar el partido que le saca al único escenario interior con una puerta que hay que clavar cada vez que se abre o se cierra, como si hubiera que remarcar el dentro y fuera de la acción.

Es una película violenta y bonita a la vez. Violenta por sus diálogos (marca de la casa Tarantino) y las escenas de interior conforme vamos descubriendo cosas. Bella por como fotografía los exteriores. Sin embargo, para mi, a vista de espectador, pesa en el visionado la primera parte, justo la de los exteriores nevados , y creo que se aligeraría el filme, que tiene casi tres horas de metraje.

Me gustó más Malditos Bastardos y Django desencadenado, por hablar de sus últimos trabajos, pero evidentemente me ha gustado y la he disfrutado, sobretodo por guiños con el espectador como esa carta de Lincoln a modo de McGuffin, esa excusa argumental inventada por el gran Hitchcock.

Al cine: Sufragistas. ¡Y todavía hay quien pasa de ir a votar¡

Para empezar el año, cinematográficamente hablando, he ido a ver Sufragistas. Por llevar la contraria a las huestes de seguidores de Star War ,(que yo iré a ver tranquilamente dentro de un mes) he elegido esta peli que me aseguraba un visionado sin olor a palomitas. 

Tiene gracia que la película se estrene en época electoral , quiero decir en "era electoral", por aquello de que habrá que pasar seguramente de nuevo por las urnas. Y más que gracia, lo que tiene es vigencia reivindicativa. Cuesta creer, que hace tan poco tiempo lo de voto femenino fuera pura quimera, (todavía hoy en otros países). Sufragistas es la historia de todas esas mujeres que lucharon por conseguir el voto. Y lo tuvieron que hacer como supieron, muchas veces incluso en contra de quien tenían más cerca, de quien más se supone que las querían. 

Una de las bazas de la película es que está magníficamente ambientada, con un trabajo de fotografía muy especial para conseguir esos colores grises y apagados que nos trasmiten hasta la humedad y la suciedad de aquel Londres de principios del siglo XX. Y resulta que el responsable de todo esto no es otro que el director de fotografía español, Eduard Grau, el mismo responsable de fotografía de la increíble Buried. Y como en aquella peli, en Sufragistas se nota el trabajo que hay detrás de los actores. 

Casting que encabeza la inmensa Meryl Streep, aunque su participación se ciñe a prácticamente tres escenas. Pero la que destaca es Carey Mulligan, que ya me cautivó en An Education. 

En resumen, Muy recomendable. 

EL Desconocido. Amenazas y persecuciones "on the road" pero Made in Spain

Éste es uno de esos raros casos en los que una película española sobrevive seis semanas en cartelera. Chapeau por ello. Síntoma de que por aquí también se sabe hacer cine de corte más comercial, y al vez interesante, que puede atraer a un gran número de público.

Yo he tardado en ir a verla por esperarme a esto de la Fiesta del cine. El bolsillo obliga. Tres días a 2´90 euros la entrada es para tener en cuenta.

La productora de El Desconocido es Vaca Films, una de las compañías que ha apostado con más fuerza por este tipo de cine, de hecho ya ha tenido grandes éxitos como Celda 211.

Con El Desconocido vuelven a apostar por el thriller, en esta ocasión bajo la dirección de un debutante en la gran pantalla, Dani de la Torre. Montaje y movimiento de cámara obran el milagro de mantener la tensión durante todo el metraje, con el añadido, y dificultad, de hacerlo en un espacio tan pequeño como es el interior de un coche.

Excelente también la puesta en escena con una ciudad de La Coruña que podría ser cualquier gran ciudad americana. Con planos cenitales, travelling y localizaciones que ayudan a crear ese clima de persecución y amenaza.

El reparto encabezado por Luis Tosar, uno de los mejores actores españoles de nuestro tiempo, está logrado. Con una actriz, Paula del Río, que tiene el papel de su hija, que destaca, como también lo hace la siempre increíble Elvira Mínguez (la etarra de Días Contados).

Sinopsis :

Carlos, ejecutivo de banca, comienza su rutinaria mañana llevando a sus hijos al colegio. Cuando arranca el coche, recibe una llamada anónima que le anuncia que tiene una bomba debajo del asiento y que dispone apenas de unas horas para reunir una elevada cantidad de dinero; si no lo consigue, su coche volará por los aires.

Sólo algún fallo de guión puede nublar el resultado. Hay quien critica el desenlace. Yo lo doy por bueno en aras del entretenimiento.

En conjunto, muy recomendable. Ver en pantalla grande.

Un día perfecto. Lo nuevo de León de Aranoa.

Soy fiel seguidora de Fernando León de Aranoa desde que me dejó "patidifusa" en la butaca con su ópera prima , Familia. Después siguió dejándome pegada al asiento con Barrio y Los lunes al sol. Y tras Princesas, regresa con su apuesta más ambiciosa e internacional, Un día perfecto.
Una película de guerra sin una explosión y sin una gota de sangre. Podemos decir que Un día perfecto es todo trinchera. Esa quinta o sexta línea del frente, ese segundo plano de "efectos colaterales ", que es donde sufre la población civil. Y sin embargo no hace falta retratar "la batalla" para ver "la guerra". Es la violencia sin violencia.

Un día perfecto transcurre en una zona de guerra con los cascos de las Naciones Unidas tratando de controlar la situación . En concreto narra la peripecia de un grupo de voluntarios en Bosnia justo en el momento en el que las autoridades dan por acabada la guerra. Tratan de sacar un cadáver de un pozo de agua en una zona de conflicto. Alguien lo ha tirado dentro para corromper el agua y dejar sin abastecimiento a las poblaciones cercanas. Pero la tarea más simple, encontrar una cuerda, se convierte aquí en una misión imposible, en la que el verdadero enemigo quizá sea la irracionalidad, la burocracia de despacho y lo absurdo.

Dos genios con Oscar, Benicio del Toro y Tim Robbins, le dieron el sí al director para la película . 

Lo mejor, encontrar un drama agujereado de notas de humor, que es capaz de mantener un equilibrio revelador y sobrio.

Al cine; Lavapiés en plano-secuencia : "Hablar" de Joaquin Oristrell

Hablar de Joaquin Oristrell

Rodar en plano-secuencia significa rodar una escena en continuidad desde que se grita el primer "Acción" hasta el "Corten" en una sola toma (en plano único, sin cortes ) , sin parar para repetir. Más o menos para que se entienda. Pues eso es lo que ha hecho Joaquin Oristrell (¿De que se ríen las mujeres?, Inconscientes) en Hablar. Un ejercicio cinematográfico de los de dejar con la boca abierta.

Se ha rodado en el popular barrio de Lavapiés de Madrid durante una calurosa noche de agosto de 2014. Durante 75 minutos y medio kilómetro de recorrido, veinte personajes en plena crisis económica, política y existencial hablan, discuten, ríen, lloran, amenazan, susurran, gritan, roban, se citan, se enfadan, se abrazan y proponen al espectador una reflexión sobre el inmenso poder de la palabra.

Mientras veía la película no podía dejar de pensar en el esfuerzo de los actores y la presión que significa que no puedes equivocarte y repetir. Uuufff

Famosos son los pocos ejemplos que hay de películas rodadas en un único plano secuencia. Que yo sepa solo me viene a la cabeza La soga de Hitchcock. Aunque también esta Birdman de Iñárritu que está rodada en un falso plano secuencia.

En otras películas este espectacular recurso se utiliza para los arranques. Como por ejemplo los tres minutos y medio de plano secuencia de Sed de mal de Orson Welles. Pero también tenemos planos secuencias más largos en Gravity de Cuarón o Expiación, la película que se basa en la novela de Ian McEwan.

Es tal vez lo más destacable de Hablar, ese experimento de rodar en plano secuencia. Porque el guión peca un poco de buscar buenas intenciones pero no instalarse en la denuncia y la reflexión. Pero el experimento vale la pena. Y el casting muy bueno, alternando actores consagrados con otros desconocidos.

Precisamente los actores vienen de la Escuela de Interpretación de Cristina Rota (madre de los Botto) , y es ella la que escribe a 4 manos con Oristrell el guión.  Y por cierto, el final de la peli viene a confirmar que el filme viene a ser como un ejercicio de fin de curso de esta escuela.

Lo único que se salva de la cartelera entre Dinosaurios y Tomorrowsland.

Al cine : Felices 140.

Cartel de Felices 140

Muerdo el anzuelo del casting y la directora, y me voy directa al cine. Las dos anteriores películas de Gracia Querejeta (Siete mesas de billar francés y 15 años y un día) son referencia suficiente para seguirle la pista, y el reparto de actores vale la pena, así que no lo dudé ni un momento.

De entrada, el título, bien acertado (sin dejarlo todo dicho) , resume en pocas palabras la sinopsis del filme : Felices 140, por una lado tenemos un cumpleaños, y por otro, una cifra gorda. Tan gorda que en realidad son 140 millones de euros. Es el premio de un euromillón que le ha tocado a la cumpleañera.

Os daré un poco más de detalle sin revelar nada importante: Elia (Maribel Verdú) cumple 40 años. Decide celebrarlo con sus amigos y su familia de una manera un tanto especial: los invita a pasar un fin de semana en una casa rural de lujo. Cuando están todos allí reunidos les anuncia que ha sido la ganadora de un increíble premio: 140 millones de euros. Pero la alegría se vuelve codicia porque a todos les vendría muy bien que ese premio se repartiera.

Y hasta aquí puedo leer, porque hacia la mitad de la película pasa algo que da un giro radical a la trama. 

A mi me ha recordado mucho a esa película francesa que me encantó que se llama Pequeñas mentiras sin importancia ( Guillaume Canet) :
http://sargantanaxpress.blogspot.com.es/2011/05/pequenas-mentiras-sin-importancia.html

Y es que el tema de la reunión de amigos, donde con dos copas de más se ensalzan grandezas y bajezas de la amistad es casi un género. Recordar sino esa gran película , con esa gran banda sonora, que es Los amigos de Peter de Kenneth Branagh.

Ya os comentaba arriba lo del reparto: los actores de lo mejorcito del cine español. A la cabeza una espléndida Maribel Verdú. Y a su lado, el resto de intérpretes que . Desde la catalana Nora Navas (Pa Negre), a los camaleónicos Antonio de la Torre y Eduard Fernández.

Los Felices 140 se vuelcan hacia el lado negro donde la avaricia, la envidia, los reproches constantes, los celos infundados, las proposiciones indecentes....acaban por aguar la fiesta.

Domingo de cine : Maps to the stars. La puerta de atrás de Hollywood.

Parece que está de moda sacarle los colores al way of live de Hollywood. Justo antes de los Oscar se estrenaba aquí la inclasificable y excepcional Birdman, y ahora nos llega esta Maps to the starts, otra fábula sobre la decadencia y la obsesión del micro-cosmos hollywodiense. Algo así como una comedia en clave negra, o un drama disparatado sobre la obsesión por la fama.

Está dirigida por el canadiense David Cronenberg (La mosca y Promesas del Este) , y en el reparto nos encontramos a una tremenda, genial y oxigenada Julianne Moore (en cartelera todavía con Siempre Alice) y a   Mía Wasikowska (Alicia en el país de las maravillas)en su papel de cándida disfuncional. 

Sinopsis : Stafford Weiss es terapeuta y escribe libros de autoayuda. Tiene una mujer sobreprotectora, un hijo, antigua estrella de la TV en rehabilitación, y una hija que acaba de salir del psiquiátrico. La principal cliente de Stafford es una famosa actriz, a punto de interpretar el papel que hizo su madre en los años 60.

Maps to the starts es el retrato, fiel o inventado, de la podredumbre del corazón de la industria del celuloide, que pone los pelos de punta. 

Si queréis ver más sobre Birdman, os dejo el enlace del post :http://sargantanaxpress.blogspot.com.es/search?q=Birdman

Al cine : Samba. A la sombra de Intocable.

cartelera de Samba

Samba tiene el inconveniente de la comparación. Y eso le va a pasar factura. Después de la super-taquillera e increíblemente redonda Intocable es imposible no poner "peros" a la segunda película del dúo Éric Toledano-Olivier Nakache.

Los directores franceses vuelven a repetir la fórmula e incluso un protagonista, el "quitahipos" Omar Sy, pero no es lo mismo. Principalmente por el gancho que supuso en Intocable, tanto el personaje, como la interpretación del actor Francois Cluzet.  Pero también por que Samba, aunque absolutamente recomendable, navega entre la comedia y el drama, sin llegar a la capacidad de emocionar y contagiar al espectador que tiene Intocable. Y tampoco, pese a tocar el tema dramático de los sin papeles, llega a la intensidad del llamado cine social de Stephen Frears,  Ken Loach o Robert Guediguian.

La sinopsis: Una mujer, de baja laboral por el síndrome del trabajador quemado (burn out) empieza a colaborar como voluntaria en una ONG para inmigrantes. Se ha de enfrentar cara a cara al drama cotidiano, e individual, de no tener los papeles de residencia. Y uno de esos sin papeles es Samba , un senegalés, residente en Francia desde hace 10 años. El acoso de la policía, el miedo a la expulsión, la burocracia, los abusos laborales, la explotación del más débil .... La temática de la película es un amplio catalogo del sistema social y laboral de la Europa de hoy en día. 

La película bordea en alguna pequeña ocasión el límite del absurdo (la escena de los tejados) pero lo salva la estructura narrativa que no deja bajar el ritmo ni concede momentos al sentimentalismo.

A destacar el magnífico trabajo desarrollado por Omar Sy y Charlotte Gainsbourg ( recién salida del universo de Lars von Trier ), sin olvidar a Tahar Rahim, en su entrañable papel de argelino haciendo de brasileño para ligar más en un mundo donde entre inmigrantes también hay categorías. 

Lo dicho, no es Intocable, pero es recomendable. Para pasar un buen rato y pensar un poquito.

Al cine: Dos días, una noche. Érase una cámara pegada a una actriz. Cotillard en estado puro.

Esto era una vez una cámara pegada a una actriz. Y si la actriz es Marion Cotillard el resultado no puede ser mejor.

Los hermanos Dardenne eligen a la actriz francesa (la Edith Piaf de La vida en rosa) para ser la protagonista de Dos días, una noche, y supongo que lo hacen con la seguridad de que su interpretación va a ser magistral. Y así es. La francesa prácticamente no abandona la pantalla en toda la película. La seguimos con la convicción de que compartimos con ella su calvario y que con nuestra compañía la alentamos. 

Dos días, una noche es un retrato de la actual crisis económica y de la actual crisis de valores. Una película que podríamos clasificar dentro del llamado cine social, del que los realizadores belgas ya dieron un buen ejemplo con la magnifica El niño de la bicicleta.  (http://sargantanaxpress.blogspot.com.es/2011/11/el-nino-de-la-bicicleta.html)

¿Que nos cuenta Dos días, una noche ?

A Sara (Cotillard), de baja por depresión, le comunican un viernes que ha sido despedida de su trabajo en una fábrica después de que una votación entre sus compañeros orquestada por su jefe eligiera su marcha y una paga extra de 1.000 euros anuales para cada uno de ellos por encima de la opción de mantenerla en plantilla y renunciar a esa paga. Apoyada por su amiga Juliette y por su marido Manu, Sara consigue que sea celebrada una nueva votación al respecto para el lunes siguiente, con lo que tiene un fin de semana por delante para ir visitando a cada uno de sus compañeros e intentar que el próximo resultado le sea favorable.

Ese fin de semana será un rosario de encuentros y desencuentros. De emociones y llantos. Un recorrido por una pequeña ciudad belga que es el retrato de la Europa que nos ha dejado esta crisis. Trabajadores de numerosas nacionalidades, de estados civiles variados, con sus problemas familiares y económicos, con sus miserias y sus aspiraciones. Una fotografía de la precariedad moral del ciudadano de a pie. Una crónica social con mucho de suspense. Los realizadores belgas consiguen, que desde el principio al fin, tú estés pendiente de cada visita de Sara, de esa cuenta atrás donde ha de ir sumando adeptos a su causa, hasta el punto de que el espectador lleva la cuenta como si de su propio puesto de trabajo se tratara . Y a eso ayuda esa cámara pegada todo el rato a la actriz, siguiendo a esta reina de la interpretación que solo con su caminar, con sus gestos te trasmite la cruda, angustiosa y desesperada búsqueda de un poco de solidaridad o de comprensión por parte de sus compañeros de fabrica. Y a la vez muestra el sentimiento de humillación, casi un acto de mendigar el afecto ajeno.

Magical girl. La turbia y bizarra propuesta de Carlos Vermut llega a los cines.

Turbia y bizarra. Estos dos adjetivos son los que utilizaría para clasificar la explosiva y emocional película del director madrileño Carlos Vermut. Magical Girl es de esas películas inclasificables. No responde a un genero concreto, aunque pellizque desde la crítica social al misterio, pasando por el humor sórdido, el surrealismo y los guiños al cómic.

Lo que es seguro es que esta segunda película de Carlos Vermut trae aire nuevo a las pantallas, trae ese desafío a lo moralmente correcto, justo cuando fuera de la pantalla, en la calle, lo que se lleva es lo moralmente incorrecto. 

No es que sea difícil explicar de que va la película, es que creo que a esta película se ha de ir sin saber mucho, pero de forma resumida podemos decir que Magical Girl es una serie de dibujos de animación japoneses con la que Alicia, una niña de 12 años con leucemia, está obsesionada. Como última voluntad, le pide a su padre, profesor en paro, el carísimo vestido del personaje y para conseguirlo se verá envuelto en una serie de turbios y oscuros chantajes.

Bárbara Lennie y Luis Bermejo

Otra de las bazas de la película es el reparto. Un traingulo magistral de actores criados en las tablas del teatro. Luis Bermejo ligado a la compañía de teatro Animalario, Barbara Lennie ( todavía en los cines como la poli de El niño) y José Sacristán ( la "voz" del cine español apuesta en los últimos años por el cine de las nuevas generaciones y de él espero con ganas el estreno de lo último de Isaki Lacuesta) . Estos tres misteriosos personajes evolucionan entre los racional y lo emocional, llegando al límite para proteger lo que es suyo, y dejándo en el aire alguna incógnita (¿que pasó entre Bárbara y Damián?)

Destacar a la debutante Lucía Pollán, de una naturalidad y una mirada inquietantes.

También me ha gustado la narrativa audiovisual muy personal y sugerente, con una composición de planos y un uso de la música que me recuerda a las BSO de Almodóvar. Sólo pongo pegas al bajón del ritmo en la segunda mitad de la cinta, aunque se recupera más tarde. 

Magical Girl fue en el pasado festival de San Sebastián, Concha de Oro a la mejor película y plata al mejor director.

En cartelera : Ni en la ordenada y fría Suiza, "El amor es un crimen perfecto".

En estos momentos encontramos en cartelera un perturbador y seductor thriller francés. Una rara avis con un reparto excelente, basada en la novela de Philippe Djian, ‘Incendies’. En la dirección están los hermanos Arnaud y Jean-Marie Larrieu, de los que hemos visto en España solo dos de sus siete largometrajes, Pintar o hacer el amor y Los últimos días del mundo.

Fiel seguidora del cine del país vecino, he de reconocer que El amor es un crimen perfecto poco tiene que ver con el resto del cine francés que nos llega. Nos encontramos delante de un thriller preñado de sugerencias, donde la investigación podríamos decir queda fuera de plano. Sutileza y misterio entre un paisaje que es también uno de los protagonistas de la cinta. Desde el primer fotograma vemos que tras esa aparente calma de un bosque nevado se esconde algo inquietante.

Evidentemente la fotografía es fundamental en el relato audiovisual de El amor es un crimen perfecto. El paisaje helador de los Alpes suizos y las curvilíneas carreteras de montaña son a la vez belleza y terror. Y a eso se une la fotografía de alguno de los impresionantes edificios de lo que creo es la Universidad de Lausanne. Racionalidad en medio del desorden.

Muy bueno el reparto donde destaca el trio protagonista; el profesor, Mathieu Amalric (La Venus de las pieles) , su hermana, Karin Vviard ( Nada que declarar) , y la madre de la chica desaparecida, Maïwenn (El quinto elemento, El profesional),habitual actriz de Luc Besson.

En conjunto un producto curioso, interesante, al que se le puede discutir cierta precipitación argumental. Pero en resumen, una sugerente historia del cazador cazado

¿De qué va?

Marc, profesor de literatura en la universidad, tiene una larga reputación como seductor y coleccionista de aventuras amorosas con sus alumnas. A las que hay que añadir la "extraña" relación con su hermana, con quien comparte una mansión típica de estación invernal.

Unos días después de la desaparición de Bárbara, la más brillante de sus estudiantes además de su última conquista, Marc se encuentra con Anna, madre de Bárbara, que anda investigando sobre la reciente desaparición de su bella hija.

Y hasta aquí puedo leer.

Al cine. El Niño, la nueva película del director de Celda 211

Daniel Monzón regresa con otro thriller , cinco años después de la trepidante Celda 211 (2009). Esta vez sale de la atmósfera asfixiante de la prisión, para bajarse al moro. La historia de El Niño se ambienta en un entorno tan cercano para nosotros como es la situación estratégica de España como puerta de entrada de la droga que llega de África. Con Gibraltar y Ceuta como piezas clave de dos clases de negocios, los que cruzan para sacar cuatro duros y solventar sus miserias, y los del negocio gordo del narcotráfico. 

Monzón ya es un experto en ofrecer un discurso audiovisual tan potente como el que vemos en producciones que multiplican en varias cifras su presupuesto. El Niño tiene un presupuesto de sólo 8 millones de euros. Excelentes la fotografía y el montaje, con la secuencias de persecuciones aire-mar, y las secuencias y panorámicas generales, donde se coge el pulso al engranaje del puerto. Aunque en contra, me ha parecido que esta película descuida el hilo argumental, mareando al espectador con un entramado con demasiados personajes. Aunque consigue crear un gran climax y una muy buena carga dramática. Buenos los diálogos, geniales los de la tripulación del "pájaro" y las conversaciones casi espontáneas de los tres jóvenes. 

El casting: Tosar repite con Monzón

Y que decir del elenco, de lo mejorcito del cine actual. Un Luis Tosar (Los lunes al sol, Te doy mis ojos, Celda 211 ) inmenso (como siempre) y estrenando peluca, y un Eduard Fernández (El método, Pa Negre, Biutiful) y Sergi López, (Harry, un amigo que os quiere, El laberinto del fauno) también de premio. No me olvido del papel femenino de Bárbara Lennie (Obaba, Todas las canciones hablan de mi) una secundaria que me gustaría ver de protagonista. Pero si la película tiene tirón entre el público joven es por la aparición y debut de Jesús Castro, comparado por sus ojos con un nuevo Paul Newman. (aquí se han pasado, aunque el chico se ha defendido muy bien para ser un neófito en esto).

La película El Niño, además de ser de una temática totalmente actual y sangrante, hace sus guiños sarcásticos a ciertas instituciones y su corrupción. Me llamó la atención del parecido de uno de los personajes, el llamado el inglés, a Francisco Correa, el de la Gurtel. Y es que la realidad tantas veces supera a la ficción, que casi hablamos de simbiosis.

¿De que va El Niño?

Frontera sur de Europa. Dos continentes, tres países, 14 kilómetros… tierra de contrabando. Desafiando la autoridad de los capos locales, tres chavales de apenas 20 años deciden montárselo por su cuenta y se introducen en el mundo del narcotráfico casi como un juego. Es mucho dinero al alcance de quien tenga el valor de atravesar la distancia casi inexistente entre España y África volando sobre las olas en una lancha cargada de hachís y con la policía pisándote los talones.

Una cita para el verano : La primera (y desgraciadamente) última película como director de Seymour Hoffman

Cartelera de Una cita para el verano

Llega a las pantallas de nuestros cines, después de cuatro años, la única película como director del recientemente fallecido Philip Seymour Hoffman. Una cita para el verano es su ópera prima como realizador y también se guarda el papel de protagonista en esta pieza de teatro adaptada al cine. El guión es del mismo dramaturgo Robert Glaudini, responsable del texto teatral. Y algo me ha recordado, salvando las distancias,  a la estupenda  Hijos de un Dios salvaje de Yasmina Reza, adaptada al cine también por Polanski.

Una cita para el verano es una pequeña película, de estas cintas sin pretensiones que nos ponen delante un trocito de realidad cotidiana, en este caso la realidad de las relaciones de pareja, las que empiezan y las que acaban. Lo mejor del filme, los actores de los que se ha rodeado Seymour Hoffman, especiales cada uno en su papel:  Amy Ryan (Connie), John Ortiz (Clyde), Daphne Rubin-Vega (Lucy).

Y también destaco la fluidez de unos diálogos donde se palma la desintegración de la convivencia matrimonial lastrada por los años, y las dificultades del inicio de algo nuev.

De que va

Jack es un conductor de limusinas en Nueva York, un hombre introvertido y recluido en sí mismo. Clyde, su compañero de trabajo, y su esposa, Lucy, deciden prepararle una cita a ciegas con Connie, una chica tan aislada como él. Mientras Jack y Lucy afianzan su relación, transformándose el uno al otro en el proceso, el matrimonio de Clyde y Lucy comienza a hacer aguas.

The invisible woman. La historia que Charles Dickens no contó.

Fotos de Filmaffinity

Bueno, ya os digo, que no hará grandes taquillas. Sin embargo, es una intensa historia sobre la invisibilidad (el titulo no deja lugar a dudas) de la mujer de uno de los grandes escritores, Charles Dickens. Como podéis imaginar, hablo de la otra mujer, la no oficial.

Es de esas historias de amor profundas y dolorosas. Es la historia que Charles Dickens no pudo contar. Y precisamente fue "su" historia (o eso nos hacen creer). Es una película 100% reflejo del sentimiento de sus protagonistas.

Es la segunda película del actor Ralph Fiennes como director, tras Coriolanus (2011), y también la protagoniza. Hace el papel del escritor inglés, gran reconocido en la sociedad de la época victoriana, con una gran familia y cero empatía con la que es la madre de sus 6 o 7 hijos. 

Ralph Fiennes como Dickens

Ralph Fiennes está increíble en el papel del escritor. Con la pasión contenida y una personalidad arolladora. Pero si alguien destaca en La mujer invisible es la la protagonista femenina, esa figura que orbita en torno al genio. Felicity Jones (Retorno a Brideshead, la saga de Spider-man ) está espectacular como Nelly, una de las tres hijas de
Kristin Scott Thomas. Todas, mujeres de una familia ligada a los escenarios de la época.  Nelly con tan sólo 18 años conoció a Charles Dickens. En la película destaca ese casting perfecto, todo de actores británicos, y también una cuidada fotografia con unos colores que parece se han rescatado de aquel tiempo.

Felicity Jones como Nelly

La historia de The invisible woman fue la de muchas otras mujeres. Mujeres sin protagonismo, siempre a la sombra, sumisas, viviendo entre la conveniencia y la mentira. Lo vemos en esa mirada que ella le ofrece en la escena del accidente de tren. No hay reproches, mira y calla. 

Del libro a la pantalla :Los ojos amarillos de los cocodrilos

Los  ojos amarillos de los cocodrilos

Los ojos amarillos de los cocodrilos está basada en el best-seller homónimo de Katherine Pancol, que yo no he leído, pero tengo debilidad por el cine francés, y he ido a verla ( contrariando mis principios de primero el libro, luego la peli) . Además he de confesar que he ido alentada por la participación en el filme de uno de mis actores favoritos, el catalán Quim Gutierrez.

Un libro y dos vidas 

Dos hermanas completamente opuestas: Joséphine, historiadora especializada en el siglo XII, separada y enfrentada a las dificultades de la vida; e Iris, bella, adinerada y con una vida de mujer florero simple y vacía. Una noche durante una cena con amigos, Iris presume de estar escribiendo una novela. Atrapada en su mentira, pronto deberá recurrir a su hermana Joséphine para que escriba en su lugar a cambio de cubrir las deudas que le ha dejado su marido a la fuga. Lo que ellas no saben es que el éxito del libro cambiará para siempre su relación y transformará radicalmente las vidas de quienes les rodean.

Julie Depardieu y Emmanuelle Béart

Como no me leí la novela no se si los personajes están acertados, en cuanto a lo que nos imaginamos los lectores, pero si que creo que en la película funcionan muy bien las actrices elegidas para dar vida a las hermanas, Julie Depardieu (hija del actor) y Emmanuelle Béart.

La película, de la directora francesa Céline Telerman, es una historia de amistad y rivalidad entre dos hermanas. Egoismo, dolor, celos, conveniencias, etc... Por Los ojos amarillos de los cocodrilos van desfilando muchos temas con mucho jugo, al principio de manera suave e incluso tópica, para luego adentrarse en un terreno más profundo. Aunque se desdramatiza y la película va serpentenado suavemente entre los avatares de la vida de los protagonistas. La verdad es que el tema es muy del gusto del cine francés de los últimos años, donde hay muy buenas historias donde se cuecen los entresijos de las relaciones entre padres, hijos y amigos. Sólo citar Pequeñas mentiras sin importancia, El primer día del resto de tu vida y Lol. 

http://sargantanaxpress.blogspot.com.es/2011/05/pequenas-mentiras-sin-importancia.html

http://sargantanaxpress.blogspot.com.es/2009/07/lol.html

http://sargantanaxpress.blogspot.com.es/2009/06/el-primer-dia-del-resto-de-tu-vida.html